No hay reglas en la escritura de pantallas; sin embargo, como en el jazz, hay ciertas cosas que pasan mucho. Si desea ser un guionista de éxito, debe al menos familiarizarse con estas reglas, incluso si decide ignorarlas. A propósito de nada, publiqué en Twitter recientemente describiendo cómo, mientras andaba en bicicleta por Ámsterdam esa misma tarde, entré en una tienda de discos en el distrito de Jordaan donde la cantante guatemalteca Gaby Moreno estaba tocando un solo acústico. Ahora, Gaby es joven, talentosa y original; ella tiene una voz fuerte y confiada en todos los sentidos de la palabra. Su música tiene elementos de pop, soul, latino y jazz (echa un vistazo a YouTube antes de comprar un álbum). Claramente, ella tiene estos estilos en su haber, sin embargo, la forma en que se entregan es original y dominante, y te encuentras con ganas de escuchar más en parte debido a la elegante interpretación de estos estilos, pero más por las historias originales que se están articulando. sobre los riffs y frases familiares.

¿Por qué mencionar esto en una publicación sobre escritura de pantalla? Porque, querido lector, no es lo que dices sino cómo lo dices. No es la historia, sino cómo la articulas. Es tu voz lo que importa.

Dale a la audiencia lo que quiere, pero no de la manera que espera…

Este es un excelente consejo de Robert McKee, que suele ampliar en sus libros y seminarios sobre técnicas narrativas. Molesta a la audiencia con tu erudición y tu conocimiento de la forma y la historia de la escritura cinematográfica, pero al final tienes que contar la historia. No en vano, McKee se centra en la palabra historia. La historia es de lo que hablamos cuando hablamos de escritura cinematográfica. Existen otras formas de cine, pero no en Hollywood ni en la pantalla grande los sábados por la noche.

Lo que todos los libros que he sugerido en la sección de librería de Manifesto Books tienen en común es el reconocimiento y, de hecho, la reverencia por el concepto de historia. Paul Schrader habla sobre la importancia vital del arte de contar historias en el contexto de la escritura cinematográfica. Es el principio fundamental que subyace a todos los guiones geniales o incluso competentes. Schrader habla sobre la narración de historias de fogatas. Si una idea va a funcionar, debería poder contarla como una historia de fogata. Puedes disfrazarlo y cambiarlo, pero la historia principal debe ser capaz de volver a contarse como una historia cautivadora, por no decir apasionante, alrededor de las brasas encendidas en la luz moribunda de la noche. Y esto es de un hombre que escribió sobre el estilo trascendental en el cine; captar la teoría por todos los medios pero contar la historia al final.

Schrader dirigido El consuelo de los extraños con una meticulosidad desapasionada pero esa meticulosidad se aplicó a una historia perfectamente destilada. Basada en una novela magníficamente elaborada por Ian McEwan (del mismo nombre), transformada en un modelo perfecto de una obra de teatro de Harold Pinter, la película se convierte en un ensayo sobre la narración audiovisual. Esta visión, por supuesto, se ve reforzada por la música de Angelo Badalamenti, la ropa de Georgio Armani, los canales y la arquitectura de Venecia y la actuación sublime de Natasha Richardson, Rupert Everett, Helen Mirren y Christopher Walken. Como era de esperar de Pinter, el diálogo es nítido y mínimo. Así que podemos recordar la línea profética de Norma Desmond en Sunset Boulevard – «No necesitábamos diálogo. Teníamos caras». Esta es la razón por Comodidad de extraños necesita este cuarteto de grandes actores: tienen que contar gran parte de la historia esencialmente con sus rostros, su lenguaje corporal y sus silencios. Por cierto, hay una historia brillante en la que Walken le dijo a Schrader que no necesitaba iluminarse la cara desde abajo para parecer malvado, que podía hacerlo solo.

Mencioné a Norma Desmond porque mi opinión es que Sunset Boulevard y El consuelo de los extraños comparten mucho en común en términos de estructura de la trama. El legado clásico de Wilder también presenta una sólida actuación de cuarteto: Gloria Swanson, William Holden, Erich von Stroheim y la joven Nancy Olson. El personaje de Betty Schaefer de Olson es un componente más importante del cuarteto de lo que se nota inmediatamente en la primera visualización. Me encantan las resonancias causadas por el hecho de que los cuatro son practicantes creativos en el proceso de realización de películas pero, significativamente, de diferentes maneras no están en absoluto donde quieren estar en este proceso creativo en este momento de sus vidas: todos están desplazados de su posición legítima en el orden natural en sus propias mentes. Sin embargo, a pesar de toda esta astucia y entrelazamiento de hilos psicológicos, al final todo se reduce a una novela policíaca clásica. Mire las dos películas juntas y vea lo que piensa.

Recomiendo también ver y leer barrio chino que fue escrita por Robert Towne, dirigida por el infame Roman Polanski y protagonizada por Jack Nickolson y Faye Dunaway. Es una obra maestra neo-noire brillantemente evocadora. También captura el lujo y la decadencia de Los Ángeles, de mal gusto pero glamoroso, en todo su esplendor claustrofóbico. Lo que es muy inteligente y personifica el arte cinematográfico consumado de Polanski (y de Towne) es la presentación de esta claustrofobia. Un director menor, si se le hubieran dado estas hermosas vistas del sur de California, las habría disfrutado. En lugar de eso, nos dan una toma tras otra de vislumbres a través de los espejos retrovisores, a través de vendajes, a través de piscinas ondulantes y a través de anteojos de sol oscurecidos. Todo está cubierto y escondido. ¿Por qué? Para enfatizar y resonar las fisuras psicológicas que se van acumulando en las interrelaciones entre los personajes. Esta historia también tiene una resonancia con el formato de cuarteto mencionado anteriormente, pero decir cómo estropearía la película para aquellos a quienes todavía les espera esta delicia. Y desde la perspectiva de un escritor, sigue siendo, para mí, la mejor última línea de una película.

También he mencionado la serie de televisión británica Borde de la oscuridad que se emitió por primera vez en 1985. La serie capturó las ansiedades de la guerra fría, el miedo a un conflicto nuclear, el cisma político amargo e implacable entre los sindicatos y el gobierno de Thatcher. También tenemos el surgimiento de la política verde; la filosofía de Gaia propuesta por James Lovelock de que la Tierra es fundamentalmente un ecosistema interactivo perfectamente equilibrado con el que nos metemos bajo nuestro propio riesgo. Una primera versión del guión tenía al protagonista Craven convertido en un árbol. Sin embargo, terminamos con un thriller político brillante y aún resonante que tiene todo, incluso hasta una melodía de tema de Eric Clapton.

El guión, si puede hacerse con él, es fascinante ya que tiene numerosas notas a pie de página que explican la gran cantidad de ideas y conceptos diversos que intervienen en la historia. Pero, no necesitas saber nada de esto para entender la historia. La razón por la que vale la pena leer todo esto es porque te da una perspectiva diferente sobre la narración de historias. La estructura de un drama de 317 minutos es necesariamente diferente a la de una película de 100-120 minutos. Debe presentar varias líneas secundarias que se extienden a lo largo de diferentes períodos de tiempo en la narrativa para unir todo. Una sola serie lineal de aventuras episódicas no atraería a la audiencia al vientre emotivo de la familia desgarrada e ineludiblemente empujada a la búsqueda de la verdad. El poder y el éxito de este proceso se demuestra por el hecho de que para mí, y sospecho que para muchos otros, el personaje de Emma Craven interpretado por Joanne Whalley está tan arraigado en nuestra psique como cualquier otro personaje desde entonces.

He mencionado una serie de libros clásicos de autores extremadamente competentes y respetados sobre el negocio y la técnica de presentar y construir guiones. Todos estos son buenos, sólidos y definitivamente vale la pena leerlos. Pero no son biblias, no iluminarán tu vida y te conducirán al camino de la salvación que son las entregas de premios. Solo la vida misma hará eso junto con tu habilidad, como escritor, para darle sentido. Tom Stoppard comenzó a escribir porque podía ver todas las fallas en las obras que revisaba. El caso es que vio las obras, pensó en ellas y escribió sobre ellas. Él actuó; hizo algo sobre la mediocridad que estaba presenciando.

La mayoría de los buenos escritos consisten en dar sentido al mundo que ves a tu alrededor y experimentas en persona. Ya sea amor, política o el fin del mundo tal como lo conocemos, el escritor ve perfectamente las diferentes perspectivas y articula estos puntos de vista y posiciones en conflicto de una manera que los simples humanos solo pueden expresar como rabia, poesía, ideología o guerra. lo que me gusta de falta profesional es la interacción ingeniosa entre la política despiadada de la academia y la competencia noble y disciplinada del fútbol. El amor de Stoppard por los malabarismos lingüísticos y la filosofía política está perfectamente ejecutado. No sorprende que el dramaturgo fuera el principal sospechoso como autor secreto de los bocetos del programa de comedia de televisión más importante del Reino Unido en ese momento. los dos ronny.

Recomiendo a F. Scott Fitzgerald por su escritura bella, elegante y serena que cuenta una historia. También me gusta que escribiera sobre la industria cuando era grandiosa, compleja y moribunda, pero importante. Sus historias cortas ambientadas en el negocio del cine también son divertidas de leer.

El sector independiente es importante y aún capaz de muchas películas que se mueven a la corriente principal porque capturan audiencias. He incluido una serie de libros relacionados con el cine independiente de los hermanos Coen a Tarantino. Además, Chris Jones’ Libro de bolsillo de los cineastas guerrilleros dice las cosas como son en este mundo de blagging, trato y mendicidad. No es necesario que comprendas completamente el proceso de realización de una película para tener éxito como escritor. Pero saber cuánto le va a costar a un productor independiente novato esa secuencia de escape bellamente escrita desde la parte superior del Big Ben podría explicar sus probabilidades de cerrar el trato como escritor. Tarantino vio muchas obras maestras de bajo presupuesto antes de escribir Perros de reserva (con lápiz y papel por cierto).

En el Reino Unido, la década de 1980 fue una época vigorizante para el cine y la escritura cinematográfica porque Channel Four comenzó con un ala cinematográfica que desencadenó una nueva ola de talento antes de transformarse en el canal Film Four que conocemos hoy. Un pionero clave en este movimiento fue el escritor y director de cine irlandés Neil Jordan. Vale la pena ver todas sus películas y muchos de los guiones están publicados. El Mona Lisa el guión es más difícil de conseguir, pero es un buen ejemplo de una versión original de una serie de temas clásicos. El primer libro de cuentos de Jordan, Noche en Túnez es excelente, pero su última novela Equivocados continúa esta tradición de precisión poética y vívida evocación del tiempo y el lugar.

La escritura cinematográfica es un proceso brutal, se mire por donde se mire. Nunca vas a ser la estrella del espectáculo, incluso si te incluyes en ese papel; de hecho, es más probable que termines muerto que en la cama con la joven y hermosa estrella de la película. Como dijo un famoso productor de Hollywood: puedes escribir lo que quieras, siempre y cuando la chica sea rescatada del volcán en el rollo final. Entonces, mantenlo simple, estúpido; contar la historia y no transmitir un mensaje. Ah, sí, y engancha al lector al final de la primera página.

Pero como le susurró el sacerdote cubierto de polvo a la colegiala que lloraba… esa es otra historia.

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